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      2. Art Club | 別再跟女藝術家聊性別了!
        Art 藝術

        Art Club | 別再跟女藝術家聊性別了!








        在我們詢問三位聚焦的議題時,會驚訝于她們關注的對象之廣泛、深刻、復雜,絕不限于性別或身份問題。尹秀珍思考感知宇宙,對于線上線下不斷的觀點爭論,她認為,由于信息的不對等產生的分歧,爭執都是徒勞的。Maggi Hambling 被自然的能量吸引,這位熱愛威士忌和香煙的抽象式具象畫家,強調身體在創作中的重要性,79歲,仍激情澎湃,創作力旺盛,以粗曠線條描繪愛、生存與死亡。生命和死亡喻紅而言是不可回避的概念,成長中經歷的種種幸與不幸,藝術家繪畫出不可承受之重。當然,生活的本質是重復,也沒必要一直審慎地審視它,周力相信理解和接受生活后,起伏之外,作品可以是一塵不染的——流動與不確定中穩住樂觀的內核。


        以下是四位藝術家的自述。




        ©?Yin Xiuzhen



        尹秀珍?于1963年,是中國當代最重要的藝術家之?。她的作品聚焦于人們對客觀外部環境變化和內心波瀾的微妙感知,以一種超越性別的體驗,掙脫束縛以創造不可能的可能性,將自己的敏感和銳利有機地傳達給觀眾。她的一系列代表性作品,通過使用帶有生命體驗和時代印痕的帶著不同人體溫和經歷的材料創作,形成了一種雕塑記憶文本。她的作品曾參加威尼斯雙年展主題展和中國館;圣保羅雙年展;悉尼雙年展;和光州雙年展等國際展覽。



        尹秀珍,《淚器》,

        燈工玻璃,2021-2023©?上海玻璃博物館



        由于網絡的迅猛發展,“全民觸屏”引導的線上生活越來越占據主導位置。我更加關注線下與線上共融的生活,希望拓展實體相聚的空間。


        在宏觀的生活中,“旅行者1號”帶著那張有著人類印記的金唱片發出了不可解讀的代碼后,與我們有限的感知力逐漸脫離而去。在微觀的生活中,“波粒二象性”與“平行宇宙”的存在,卻不可感知。


        現實生活中,硅基生命(常與人工智能同意義)迅速崛起引發的憂慮和反思,以及那張著名的從“旅行者一號”拍攝的如塵埃的地球照片,都讓我覺得一切如此的渺小。我關注人,關注人的經歷、記憶和印痕,關注人的感知。但人類的認知局限太大,人類從未停止過爭斗,文明間的沖突,遠沒有野蠻與文明的沖突來的更加可怕。人性中的惡獸很容易被喚醒。


        如何珍惜這個如塵埃的地球,如何構建人類相互珍惜彼此生命的秩序,如何善待自己的同類,自私的基因如何被約束,如何擺脫思想的桎梏,都是值得深思的問題。珍惜作為碳基生命的過程,努力保持對輕車熟路的警惕,很是珍貴。那些未知的未來終會到來,快慢不以人的意志而轉移。



        尹秀珍,《漣漪應力》,

        平板玻璃,水果,2021-2023,©?北京元美術館



        對我而言,每一次展覽的平臺,都是可能性的啟發。語義的多重性和對“質”的再認識是值得持續探究的。做材質差異性的對話和深掘,是我近期研究的方向。





        Maggi Hambling,

        倫德姆,英格蘭,Doug Atfield攝于2016年12月



        Maggi Hambling 生于1945年,是一位當代英國畫家和雕塑家。漢布林最初在塞德里克·莫里斯和阿瑟·萊特海恩斯的東安格利亞繪畫和素描學院學習,然后前往伊普斯維奇(1962–64)、坎伯韋爾(1964–67)和斯萊德(1967–69)藝術學院深造。1980年,她受邀成為倫敦國家美術館首位駐館藝術家。



        瑪吉·漢布林,《?之墻 XIX》,布?油畫,

        182.9 x 213.4 cm,2022© 藝術門畫廊




        夜晚,是我經?;貧w的主題,我第一次從我臥室的窗戶繪制夜空時年僅14歲。我認為對于我們所有人來說,夜晚都是一個神秘的領域,它是無聲的、反思的、誘人的、變幻莫測的、親密的,既真實又傳奇,夢境和現實并存。


        我很興奮能夠來到香港,這將是自2019年在北京中央美術學院和廣州廣東美術館舉辦的展覽后,五年來的第一次中國展覽。我本打算更早回到中國做展,但兩件重大事件阻止了我這樣做。第一件是疫情的不可抗力。第二件是我在紐約經歷了一次近乎致命的心臟病發作。



        瑪吉·漢布林, 《將吻》,布?油畫,雙聯畫,每幅121.9 x 152.4 cm,2023© 藝術門畫廊



        北京和廣州的博物館展覽是關于我的作品的回顧展,最早的作品可以追溯到1960年。今年三月,我再次回到中國,一部分原因是我在 Pearl Lam Galleries 的展覽:Maggi Hambling:The Night,里面展出了新近的作品系列,包括繪畫和青銅和純銀雕塑。純銀雕塑是與Beauty Papers的合作的一部分。


        當全球疫情發生時,雖然世界似乎正在崩潰,但對我來說,這意味著我可以在我的工作室里,無人打擾。我的導師,藝術家Arthur Lett-Haines,給了我有史以來最重要的建議,那就是把工作當成最好、最親密的朋友,這樣你無論心情如何都可以找到它,跟它在一起。我一直遵循這個建議。


        我的工作室是我最能與自己、創作、世界,以及我所認為的“真實生活”聯系在一起的地方。


        如今已經79歲,第二件對我影響很大的事,是在2022年遭遇的心臟病發作,發生在我紐約展覽開幕的前一天。當時,我正在朋友 Cecily Brown 家里喝飲料,突然間一切都變了。手術和康復在曼哈頓的一家醫院花了6個星期。在此期間,我遠離了工作和我工作室,缺失了他們帶給我的安慰,畢竟過去60多年來,我每天都在工作。從紐約返回英國的第二天,我又開始工作了,并且每天都以更多的精力繼續工作。油畫是一種性感的東西,是活著的媒介,我用它來創作。





        喻紅肖像圖,圖片由開云集團“躍動她影”項目提供

        由 Greg Mei 拍攝



        喻紅在1966年出生于中國西安。她于1984年在北京中央美術學院學習油畫,1988年畢業于油畫系。自1988年以來,她一直任教于中央美術學院。其作品曾在紐約古根海姆美術館展出。喻紅筆下的場景往往充滿史詩感,又伴隨著具有親密感的日常瞬間。



        喻紅,《欲海沉浮》,2023,布面丙烯,340 x 140 cm

        © Yu Hong. Courtesy Lisson Gallery




        我一直對“生死”和生命成長的話題特別感興趣,而且我的很多創作都跟這個主題有關。身為女性,對生育、身體、時間當中肉體的變化都有特別切身的經驗,這也是觸動我的東西,因而我也就特別愿意去表達生命,或者說是從生到死的歷程。


        我今年在威尼斯雙年展同期推出的個展「塵土中輾轉」探討的也是生死的主題。其中的一件十聯畫《走過生命》(2019-2022)描述的就是從出生到死亡的人生經歷,及在這過程中與欲望抗爭的過程。第一和第二聯描繪的是從人類脫離母體,嬰兒在澡盆里洗澡,看起來像是產品,暗示著人出生之后被限定在某種局限之中。接下來一聯是四個孩子在做藝術體操,因為我女兒學過藝術體操,那時候經常接送她上課,看到這些孩子訓練的樣子既殘酷又很美。這種殘酷,不僅僅是對肢體,也是對人生的。接下來的一聯是關于愛情,兩個戀愛的人躺在石頭上。后面的一聯是兩個男人像是犯罪被抓住了似的趴在地上,接著是幾個像是某特殊工作者的女孩子,這兩幅都代表著某種欲望與道德的沖突。之后的一聯是裹在保鮮膜里的女人身體,很多人減肥用這種方法強制出汗,它也和體操有某種暗合。接下來就是老年人了,用花崗巖隔離墩在鍛煉的老年人,像是跟這個世界杠上了頭,仿佛既是抗爭也是憤怒。之后是幾個人在翻找東西,像是人生中不停地尋找著自己的欲求。最后一聯就是關于死亡,架子上的腳有老人、小孩、男人、女人,最下面的是纏足的腳,都是對死亡的隱喻。



        喻紅,《走過生命》(細節),布面丙烯,

        十聯, 整體尺寸: 300 x 1200 x 10 cm

        2019-2022© Yu Hong. Courtesy Lisson Gallery



        威尼斯展覽的標題選自魯迅《隨感錄二十五》,“中國的孩子,只要生,不管他好不好,只要多,不管他才不才……這許多人口,便只在塵土中輾轉。”





        藝術家周力在工作室,攝影:黃早慧 @AGENT PAY



        周力1991年畢業于中國廣州美術學院油畫系。1995至2003年間生活和工作于法國。2012年至今,受聘為廣州美術學院客座教授。2019年至今,任廣州美術學院油畫系第五工作室主任,坪山美術館學術委員。



        周力,《塵埃之三》 ,

        200x300cm,布面綜合材料,2023




        自2020年到2024這四年我做了四個個展,分別是“格林迷綜”、“桃花源-跡”、“水與夢”,以及剛開展的“光之玫瑰”。這四年里人類經歷了共同的公共衛生事件,自然與社會環境都發生了巨大的變化。這幾個展覽都是圍繞自我與自然的關系來推進和深化的。


        “光之玫瑰”這個展覽依然是以自我發現為主題。玫瑰和光并不是外在的,而是向內觀看的意象,或者說“相”??偟膩碚f,我認為足夠深的自我發現,就會成為對整個世界的發現,以及與每一位觀者的對話。這之所以可行,是因為自我與世界的聯系不在外部,而是內在的。這與我之前的“桃花源”系列有相似的地方。那時,我描繪的是自己內心的桃花源,但也希望它是每個人內心的桃花源。玫瑰依然是一種花,其中也有粉色的。這個粉色最初源自我對新生命的感悟,如今像是經歷了輪回,成為一種花,成為色彩的載體,而色彩又是一種心境的載體。其實,花朵本身,又何嘗不是大自然的一種心境,就像云霧,河流,或者季風。玫瑰和光也是一種思緒的媒介,它在作品中并不是有形的。唯一具體且定格在一個瞬間形態的“自畫像”,是我也是我們,看著廣袤無垠的天空與大地,是釋然與悲憫。



        周力,《夜:光之玫瑰》,

        250x600cm,布面綜合材料,2023



        當代藝術家很難去代表別人,所以必須做好自己。就像德勒茲所說,當代世界的每個人都是一座高原,而一個人無法同時站在所有的高原上,只能講述自己此刻所看到的風景。“光之玫瑰”就是我所看到的風景。這個風景與性別,年齡,或者任何身份無關,它只是我看到的;但它一定與站在另一座高原上的人看到的風景有所呼應,比如同樣的陽光,相似的溫度,相似的旅程。女性既要從“女性”這個身份中解放出來,但又要深入了解自我特質。每一位藝術家都是獨特的,每一個人都是獨特的。


        關于社會,無論國內國際,我與每個人一樣,常有切身體會,也都在思考。這些思考和體會并沒有直接反映在我的創作里。它們只是作品的背景,是作品來源的一部分。人類文化中的許多創作都是如此,比如夏加爾的作品里沒有憂郁,但留下了走過憂郁時擦出的痕跡;倪瓚的畫里沒有喜悅,但一樹一石的風骨都源于最本真的歡欣。這就像安徒生寫童話,并不是因為他沒有經歷過生活的風雨,恰恰相反,是他經歷了很多。愛因斯坦的物理學發現,也并非他兩耳不聞窗外事,而是他找到了與窗外事共存的方法。藝術作品也是如此。美好的作品并不是因為藝術家只懂得欣賞美,而是因為藝術家解決了自身與世界之間的關系,于是有能力維系對美的創造。我希望所有世間的喜怒哀樂都縈繞在筆端,但作品依舊是一塵不染的。






        編輯:馬儒雅Maya MA

        設計:曉霓


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